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链接国际,即在眼前:在西岸博览会与20位国际美术馆级的海外艺术家面对面

Nov 15, 2021   TANC
2021年11月11日至14日,西岸艺术与设计博览会在西岸艺术中心A、B馆与西岸穹顶艺术中心举办,在画廊单元中,81家海内外画廊在为期四天的博览会期间集中呈现了活跃于全球的重量级国际当代艺术家的部分代表性作品与近期艺术实践。
《艺术新闻/中文版》在此特别推荐了20位重要的海外艺术家及其在展位中出现的作品,他们的艺术创作涉及架上绘画、影像艺术、行为表演、社会介入至科学实验,艺术家作品在全球重要的美术馆展览和双年展中频繁现身。
在一睹国际重要艺术家作品的同时,也与我们一同来更多地了解他们的艺术生涯及其在国际艺术界的活跃身影。
*艺术家按姓名首字母排序

安妮卡·易(Anicka Yi)

b. 1971,生于韩国首尔

1艺术家安妮卡·易 摄影:David Heald

艺术家安妮卡·易在格莱斯顿画廊展出一件作品《中古典6》 (Mid-Classical VI, 2021)。在这件作品中,艺术家用粗糙的质地、沉重的哑铃以及油炸天妇罗的平淡颜色来掩饰其中包裹着的花朵。这一处理手法破坏了花本身所有可识别的特性,剩下的只是保存的外壳,显现出微妙的张力。

2安妮卡·易,《中古典 6》,2021

易的创作结合了科学研究、生物学及香水匠人的知识及经验,她在过去十多年时间内创造的独特艺术体系处于政治及微生物学之间。安妮卡·易生于韩国首尔,在年幼时移居美国。她随后开始进行艺术创作,并迅速以香水制作技术及科学理论为基础开展其艺术实践。

3安妮卡·易,“与世界相爱” ,泰特现代美术馆,2021 摄影:Ben Fisher Photography

在正于伦敦泰特现代美术馆涡轮大厅展出的项目“In Love with the World”(与世界相爱)中,易将空气作为她的主要材料和主题,占据展厅,当参观者进入既像洞穴又带有工业感的大厅时,迎接他们的是一系列巨大的悬浮生物。它们形如水母或者变形虫,被无人机技术和算法赋予了生命。易是2016古根海姆Hugo Boss双年奖的获得者。易的近期重要展览与艺术项目举办机构包括伦敦泰特现代美术馆(2021);威尼斯双年展(2019);纽约古根海姆美术馆(2017)等。


安尼施·卡普尔(Anish Kapoor)

b. 1954,生于印度孟买

4艺术家安尼施·卡普尔

里森画廊、常青画廊均呈现了安尼施·卡普尔标志性的几何圆形装置,里森画廊展位的《苹果红、青柠、紫色糖果缎》沿用艺术家热衷的暖红色调,价格为100万-110万美元,常青画廊展位的《米帕蓝和红混合2 黑雾》呈现出艺术家作品中典型的镜面效果,价格为595万元。

5里森画廊展位现场

卡普尔1954年生于印度孟买 ,18岁移居以色列学习电子工程,没过多久便转投艺术,并在两年后搬到伦敦求学并创作至今。1990年和1991年,卡普尔分获威尼斯双年展新秀艺术家奖和英国特纳奖。自上世纪90年代中期,卡普尔开始对不锈钢材料产生极大的兴趣,在他的不锈钢作品中,卡普尔将材料推向物质和非物质之间的属性。不锈钢的反射性使作品消隐在空间之中。凹凸的圆弧镜面将所处的周围环境投射在作品中心,随着观者观看位置的不断变动,产生变化的感官体验。

6常青画廊展位现场

卡普尔近年的重要个展包括:深圳市当代艺术与城市规划馆(2021);北京中央美术学院美术馆与太庙艺术馆(2020);塞拉维斯博物馆,葡萄牙波尔图 (2018);“沉降”,公共艺术基金,布鲁克林大桥公园1号码头,美国纽约 (2017);纪念公园,阿根廷布宜诺斯艾利斯 (2017)等。卡普尔最广为人知的作品是其于2006年落成于芝加哥世纪公园的《云门》。


安东尼·葛姆雷(Antony Gormley)

b. 1950,生于英国伦敦

7艺术家安东尼·葛姆雷 © Oak Taylor Smith

在白立方与常青画廊展位,都可以见到安东尼·葛姆雷探索人体与空间关系的雕塑。葛姆雷以身体用于创作,直面了自然和宇宙中人类存在的基本问题,在二十世纪六十年代为雕塑打开了新的可能性。葛姆雷不断尝试让艺术空间成为一个可以呈现新的行为、思想和感情的地方。

8白立方展位现场

安东尼·葛姆雷成长于一个天主教家庭。浓厚的宗教氛围让安东尼·葛姆雷自幼就对冥想等宗教议题产生了极大的兴趣;成年后,其他宗教和文化中身体及其所在空间的关系逐渐成为艺术家探索的话题。对于艺术家而言,身体这一人类恰巧栖息其中的容器既是工具和创作主题,同时也是创作材料;身体是工具,也是空间,一个可以向我们进行传授、传递信息、启迪我们的地方。近年为葛姆雷举办个展的重要机构包括:新加坡国家美术馆(2021);伦敦皇家艺术学院(2019);伦敦泰特不列颠美术馆(2017)等。


博斯克·索迪(Bosco Sodi)

b. 1973,生于墨西哥城

9艺术家博斯克·索迪
维伍德画廊(Axel Vervoordt Gallery)在展位呈现了博斯克·索迪一系列混合媒介绘画及金色火山岩雕塑,价格为5.5至12万美元。索迪的作品使用有机天然的材料,在创作过程中拒绝使用画笔或其他典型的绘画工具,依靠双手来构造绘画和雕塑。艺术家常用的材料包括纸浆、植物纤维、颜料、木糠、粘土或火山岩等天然材料,强调了物质和艺术家之间强烈而有形的直接关系。作品的一部分是完全受控的,比如材料的使用、画布的形状和艺术家的动作。而自然的外力在其中也发生着重要作用:在湿度、温度和空气等不可控制的变量的影响下,颜料逐渐变干,开始出现裂痕。索迪的绘画和火山岩雕塑的形式和形状由墨西哥Ceboruco火山喷发出的熔岩运动所决定,艺术家在这些天然岩石上涂满搪瓷和贵重金属,将它们转变为雕塑。
10维伍德画廊展位现场

近年举办艺术家重要个展的机构包括达拉斯美术馆(2021)、罗马巴拉克古博物馆(2019)、墨西哥市国家美术馆(2017)、纽约野口勇博物馆(2015)。


辛迪·舍曼(Cindy Sherman)

b. 1954,生于美国新泽西州

11艺术家辛迪·舍曼

在豪瑟沃斯为西岸博览会带来的群展“时代面孔”中,展出了辛迪·舍曼于2016至2018年间创作的两幅《无题》作品,作品延续了她一贯对身份建构、表象本质的研究,突出了舍曼由艺术生涯之初便开始探讨的现代社会中自我意识的断裂。

12辛迪·舍曼(Cindy Sherman),《无题》(Untitled),2016/2018

辛迪·舍曼以出演其摄影作品中的主角而闻名。通过将自己装扮成年轻的好莱坞电影明星、古典名作中的历史人物、 小丑, 或是男性,艺术家邀请观众同自己一起展开对身份的探索。舍曼始终坚持着一套不变的创作原则:亲自掌镜,向人们展示她兼任演员、服装设计师、模特、灯光师、修图师、艺术家的全能工作。在对不同身份、场景、主题的怪诞模仿和伪装中,舍曼通过戏剧性的效果、夸张的妆容与道具,对艺术、名人、性别和摄影的视觉和文化代码进行了戏谑的调侃,强调了刻意编造的人为性,以此隐喻身份构建的虚伪。

13 “辛迪·舍曼 亮相”展览现场 路易威登北京Espace文化艺术空间,2021 © 2021 Cindy Sherman Photo credits © Sun Shi / Louis Vuitton

艺术家近年重要展览包括2019年英国国家肖像艺术馆举办的个展;2020年10月在巴黎布洛涅森林里的路易威登基金会(Fondation Louis Vuitton)举办的辛迪·舍曼主题展“生涯回顾(1975年至2020年)”(A Retrospective from 1975 to 2020)。从今年十月开始,辛迪·舍曼个展于路易威登北京ESPACE文化艺术空间展出。


达明安·赫斯特(Damien Hirst)

b. 1965,生于英国布里斯托

14艺术家达明安·赫斯特
高古轩画廊在展位带来了一件达明安·赫斯特创作于2019年的蝴蝶拼贴画。在蝴蝶系列中,赫斯特将蝴蝶翅膀标本以迷幻的万花筒样式排列出来,色彩与纹样在有序的铺排下,以艺术歌颂死亡。
15达明安·赫斯特,《Thrones》,2019
1989年,赫斯特从伦敦大学金史密斯学院毕业后,偶然受到黏在画布上虫蝇的启发,开始将蝴蝶标本固定在单色亮光漆的布⾯上进行创作。《万花筒》系列则始于2001年,当时艺术家被⽆意中发现的⼀只维多利亚时期茶碟花纹所启发,开始进而以数以千计的、不同色彩的蝴蝶拼贴出复杂的⼏何图案。万花筒系列始终围绕着“蝴蝶”在神话宗教中的含义:蝴蝶在古希腊⽂化中代表灵魂,⽽在基督教文化中象征重生。这一系列作品常以基督教堂的玻璃花窗为灵感,名称也常与基督教圣像文化相关。2008年,赫斯特更直接以圣经诗篇的箴⾔作为主题。2021年6月,赫斯特个展在巴黎卡地亚当代艺术基金会开幕。

丹尼尔·布伦(Daniel Buren)

b. 1938,生于法国巴黎

16艺术家丹尼尔·布伦

丹尼尔·布伦的条纹镜面装置在里森画廊的展位占据显眼位置。丹尼尔·布伦于20世纪60年代开始其职业生涯,在创作的初始阶段就创造了放弃情绪化、不关注绘画的叙事形式,把作品彻底转化为一种材料与形式之间的纯粹关系。1965年,布伦开始使用一种维持着等宽间距(8.7厘米)的彩色条纹织物创作,并使该图示成为自己基础的视觉语言。通过系统化地重复这个非常简单和毫无特别的视觉元素,布伦达到一种“零度绘画”的境界。

17里森画廊展位现场

这种思路使布伦的注意力从作品转向艺术家介入的社会环境。1967年,布伦最终选择放弃在工作室创作,而是从地点开始,工作场地逐渐从街道蔓延至画廊、博物馆、景观与建筑。1986年,布伦在巴黎皇宫的荣誉庭实现了他极具争议的公共作品“Les Deux Plateaux”,并于同年代表法国参加威尼斯双年展,并获得了最佳国家馆金狮奖。布伦的近期个展机构包括:利马意大利艺术博物馆(2019); 悉尼Carriageworks(2018);马拉加蓬皮杜艺术中心(2017)等。

18丹尼尔·布伦,《Les Deux Plateaux》,巴黎大皇宫荣誉庭

大卫·霍克尼(David Hockney)

b. 1937,生于英国布拉德福德

19艺术家大卫·霍克尼

佩斯画廊在展位展出了大卫·霍克尼一件创作于2011年的ipad绘画作品,价格为40万美金。

20佩斯画廊展位现场
霍克尼被称为“最出名的英国在世画家”,其作品横跨多种媒介,并以独特的视角颠覆了对西方绘画的认知。霍克尼出生于英国布拉德福德,1959年移居伦敦,就读于皇家艺术学院。1964年,霍克尼来到美国洛杉矶并定居多年,阴郁的伦敦与灿烂的洛杉矶使他的作品出现了巨大的反差,这一时期的创作也成为霍克尼迄今最具代表性的作品。2010年,霍克尼开始使用iPad作画,以此对于笔触、线条运用、色彩展开了进一步思考。“我在iPad上作画的时候脑中就规划好了它被印刷出来的特定尺寸,”霍克尼说,“所以针对情况,我笔触风格的运用会大有不同。”
21大卫·霍克尼个展“A Year in Normandie”展览现场,橘园美术馆 © David Hockney
近期为霍克尼举办重要个展的机构包括:巴黎橘园美术馆(2021);伦敦皇家艺术学院(2021);首尔市立美术馆(2019);阿姆斯特丹梵高美术馆(2019),北京木木美术馆(2019)。

乔治·巴塞利兹(Georg Baselitz)

b. 1938,生于德国萨克森

22艺术家乔治·巴塞利兹
在白立方画廊、高古轩、Thaddaeus Ropac画廊,都能找到乔治·巴塞利兹标志性的“倒转绘画”。其中最新创作的一件来自Thaddaeus Ropac画廊展位中,一件创作于2020年的作品《紫色x光》,价格为135万欧元,已被机构预定。
乔治·巴塞利兹出生在1938年的纳粹德国。1963年,他的第一次个人展览在柏林沃纳&卡茨(Werner & Katz gallery)画廊举行,并引起风波,两件交织着粗野的人像、暴力和裸体场面的作品,因“对公众尊严的侮辱”而被德国当局没收。借此,巴塞利兹实现了他的目标:用一种新的具有挑衅意味的绘画来扰乱当局和公众。
23Thaddaeus Ropac画廊展位现场

20世纪60年代末,乔治·巴塞利兹开始创作他知名的“倒转绘画”,这使其在1980年代成为德国主要的新表现主义者之一。“倒转绘画”反思了传统绘画中,由具体物象延展出的主观惯性思维对绘本本身意义的扰乱,而如果既想表达一个具体的物象,但同时又不表达什么具体的含义或内容,最简单的办法便是把它倒转过来。在巴塞利兹看来:“一幅画若是上下倒置,它就消除了一切稳定因素,摆脱了一切传统的束缚。”

24乔治·巴塞利兹回顾展“Baselitz – The retrospective”展览现场,巴黎蓬皮杜艺术中心
2018年,为庆祝巴塞利兹六十岁生日,巴塞尔贝耶勒基金会、华盛顿特区赫希洪博物馆以及法国科尔马的恩特林登博物馆为巴塞利兹举办了个展。2019年,巴塞利兹成为第一位在威尼斯学院美术馆(Gallerie dell’Accademia)举办回顾展的在世艺术家。2021年10月至2022年3月,艺术家在巴黎蓬皮杜艺术中心举办了其个人回顾展。

詹姆斯·特瑞尔(James Turrell)

b. 1943,生于洛杉矶

25艺术家詹姆斯·特瑞尔

佩斯画廊在展位带来一件詹姆斯·特瑞尔的灯光作品,价格为85万美元。

26詹姆斯·特瑞尔,《Arad, Rectangular Glass》,2021

作为美国加州知名艺术运动“光与空间”的代表人物,詹姆斯·特瑞尔善于利用光影来创作,作品模糊了实体与虚拟、二维与三维之间的视觉界限。特瑞尔16岁获得飞行员驾照,天空中常人难以见到的空间与色彩充斥了他的飞行员生涯。1966年,特瑞尔获得知觉心理学学士学位。长期飞行的经历使特瑞尔对天空和光线着迷,知觉心理学的学习则使艺术家决定在这片光的世界中一探究竟。二十世纪六十年代中期,特瑞尔开始试验性的用光作为材料进行创作。1967年,特瑞尔在帕萨迪纳美术馆(the Pasadena Art Museum)举办了他的首次个展,自此至今,特瑞尔已在全球范围内举办了超过160场个展,作品被洛杉矶郡立美术馆、古根海姆博物馆、惠特尼美国艺术博物馆、纽约现代艺术博物馆等重要机构收藏。2017年,詹姆斯·特瑞尔(James Turrell)在上海龙美术馆举办了其在中国的首个大型回顾展览。

272013年,洛杉矶艺术博物馆、纽约古根海姆美术馆以及休斯敦美术馆三大美术馆联合为詹姆斯·特瑞尔举办的个人回顾展现场 © Simon Collins

珍妮·霍尔泽(Jenny Holzer)

b. 1950,生于美国俄亥俄州

28艺术家珍妮·霍尔泽在其布鲁克林工作室中,2017 © 珍妮·霍尔泽 / 纽约艺术家版权协会(ARS),图片:珍妮·霍尔泽,豪瑟沃斯,摄影:Daniel Shea

来自珍妮·霍尔泽《删涂绘画》系列的一件作品在豪瑟·沃斯画廊呈现。通过将油彩涂抹在亚麻布上,艺术家精心重现并编辑了美国的解密档案和军事文件。这些文件包括从布什时期美军驻军阿富汗和伊拉克以来的文件、FBI收集的可能与恐怖活动相关的详细信息、到NSA的全民监控项目“星际风”(Stellar Wind)等。大多数的材料来源于美国民权联盟、国家安全档案网站、以及关于美国军方在阿富汗和伊拉克的军事行动报告。每幅绘画都忠于原始材料:每一幅都是8 ½ x 11英寸打印纸的放大版,文字也是原作者手写稿的复制。

29珍妮·霍尔泽,《page 7》,2018

霍尔泽于1972年获得俄亥俄大学艺术学士学位,于1977年获得罗德岛艺术学院艺术硕士学位。霍尔泽以其独特的对文字的使用,和对公共的影响力而著名。她的作品从上世纪七十年代的海报发展至如今的灯光投影,始终质问着权力系统和社会统治阶级,在揭露无知与暴力的同时,融入幽默、善意和勇气的元素。霍尔泽坚定地相信,艺术的力量能够包容无论是个体还是世界所经历的权利与暴力,以及脆弱与温柔。

30珍妮·霍尔泽,《Hurt Earth》,2021 © 2021 Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS), NY DACS, UK Photo Adam Kenrick
在11月初举办的2021年联合国气候变化大会Cop26期间,霍尔泽在泰特现代艺术馆的外墙上投射环保倡议者的演讲与文字摘录,以此呼吁采取集体行动以解决气候危机。近年其他为霍尔泽举办个展的重要机构包括毕尔巴鄂古根海姆美术馆(2019);伦敦泰特现代美术馆(2018);英国布伦海姆宫(2017)等。

李昢(Lee Bul)

b. 1964,生于韩国首尔

31艺术家李昢
立木画廊、 Thaddaeus Ropac画廊均呈现了李昢的多件雕塑、综合材料画作。1960年代,李昢生于军政府独裁时代的南韩,在其成长过程中,韩国发展成为民主国家,并经历了一系列的社会和经济动荡。李昢所目睹的政治变动影响了她的大部分作品,并从不同文学、电影和建筑作品中取材,在其艺术生涯中透过不同的持续主题表达自己的经历与思考。
32立木画廊展位现场
李昢的作品不断深入地质疑人类的境况和乌托邦梦想的失败。在李昢最新的混合媒体绘画《遗失》系列中,艺术家融合了生物形态和机械形态,用丙烯颜料和珍珠母创造出空灵的、介于具象与抽象之间的作品,反映了艺术家对令人联想起生物过程和人体的有机材料的持续实验。在立木画廊展出的李昢始于1999年的标志性“Anagram”系列中 ,李昢质疑了人类与机器是否可以通过融合来达到完美。作品由多个部分组成,可互换地连接在一起,雕塑的外观让观众联想起植物或昆虫,以及对文学的引用。
李昢近期重要展览与个展举办机构包括:威尼斯双年展(2019);悉尼双年展(2016);首尔市立美术馆 (2021) ;法国巴黎东京宫(2015年)等。

路易丝·布尔乔亚(Louise Bourgeois)

1911-2010,生于法国巴黎

33抱着《小女孩》的布尔乔亚,1982年摄
豪瑟沃斯画廊在展位展出了路易丝·布尔乔亚的两件作品:《无题》(Untitled)以及《恐惧在你心中!!!》(The Fear is Inside You!!!)。 
34路易丝·布尔乔亚,《无题》,2001 © 伊斯顿基金会 / VAGA艺术家版权协会,图片:艺术家、豪瑟沃斯,摄影:Christopher Burk
布尔乔亚七十年来的创作生涯充满了内省的现实,深深植根于对童年创伤的宣泄式审视与对女性性征的坦然面对。她通过不断重复的意象(躯体、房屋与蜘蛛)、个人象征主义、心理宣泄,构建出复杂的布尔乔亚式创作概念与风格,演绎出结合记忆、幻想与恐惧中蕴含的力量。布尔乔亚使用织物创作的习惯来自于其童年家中挂毯修复工坊的回忆,艺术家长久以来一直将缝纫与修复联系在一起:“成长经历中,我目睹家中所有的女性都在使用针。因此我长期着迷于针的魔力。针能修补损伤,象征着宽恕”。
35犹太博物馆“路易丝·布尔乔亚,弗洛伊德的女儿”展览现场 2021© 伊斯顿基金会/纽约艺术家版权协会VAGA 版权所有,摄影:Ron Amstutz

近年为布尔乔亚举办个展的重要机构包括巴塞尔美术馆(2022)、纽约犹太博物馆(2021)、荷兰国立博物馆(2019)、北京松美术馆(2019)、上海龙美术馆(2018)等。


白南准(Nam June Paik)

b. 1932,生于韩国首尔

36艺术家白南准,苏黎世,1991 摄影:Timm Rautert

白南准的一件创作于2005年的影像装置在高古轩展位呈现。这位被誉为“影像艺术之父”的艺术家创造性地使用影像技术创作作品,开创了影像艺术装置这一新的艺术形式。

37高古轩展位现场,白南准作品《无题》,2005
1932年7月20日,白南准出生于首尔的一个富裕家庭。1965年,在当白南准购入索尼便携式录像机之后,录像机便在白南准的艺术创作中开始扮演重要角色,白南准敏锐地感知到这一工具会给艺术创作带来的极大变革,他曾以一种先知般的口吻说道:“在未来,艺术家将与电容、电阻和半导体工作,如同他们现在使用的笔刷、小提琴和废品这些媒介一样。”激浪派的精神在白南准的艺术生涯中持续延续,白南准对新媒体怀疑和开放兼容的态度,让他不断地突破传统,打破日常与艺术的边界。

米利亚姆·卡恩(Miriam Cahn)

b. 1949,生于瑞士巴塞尔

38艺术家米利亚姆·卡恩
乔斯林·沃尔夫画廊(Galerie Jocelyn Wolff)在展位带来了一件由米利亚姆·卡恩于 2016 年创作的大尺幅绘画以及于 90 年代创作的纸上绘画作品。
卡恩透过心灵和记忆,收集对世间万物的印象,这些积累在她内心的事物,成为了重要的绘画灵感来源。在卡恩的作品中,自然流露出艺术家对生命的热情,并表现出社会中,精神、心理、情绪等肉眼无法捕捉的抽象特质。
39
40乔斯林·沃尔夫画廊展位现场

卡恩受行为艺术及上世纪六、七⼗年代⼥性主义运动的影响深刻。二十世纪八十年代,其作品多以男性化的视觉形象为题材,以尺幅巨大、内容丰富的黑白素描绘画呈现。同时,卡恩也常以自己的身体为媒介创作行为艺术。1994年,卡恩开始使用彩色绘画进行艺术表达,并开始关注大众媒体中的视觉形象在人类心理层面造成的影响。卡恩的绘画往往运用色彩突出人物的身体,如乳房、嘴唇和眼睛等,暗喻了“脆弱”和“繁殖”,并赋予这些人物内在的生命力。卡恩近期重要展览与个展举办机构包括:巴黎东京宫(2021);卡塞尔文献展(2017)。2020年,南京四方当代美术馆为米利亚姆·卡恩与生于秘鲁的艺术家克劳迪娅·马丁内斯·加拉伊举办对话展“灵与景”。


罗伯特·梅普尔索普(Robert Mapplethorpe)

1949-1989,生于美国纽约

41罗伯特·梅普尔索普,《Self Portrait》,1980,银盐明胶照片
格莱斯顿画廊的展位呈现了梅普尔索普拍摄于1980年代的花卉摄影。梅普尔索普的大部分花卉摄影作品都以花朵作为孤立的表现对象;像拍摄人体形态一样,他的摄影作品呈现出花卉本身的雕塑性质感,敏锐地捕捉了花朵开放时的动态活力。
42 罗伯特·梅普尔索普,《金盏花》,1985

罗伯特·梅普尔索普凭借其生前创作的大量具有挑衅意味,同时震撼人心的艺术作品,被推举为二十世纪最重要的艺术家之一。他的作品常常以肖像、花卉、雕塑般的裸体作为表现对象,透过性别、种族和性之透镜,对艺术史做出了高度风格化的探索。

43纽约格莱斯顿画廊“罗伯特·梅普尔索普由亚瑟·贾法策划”展览现场,2021

上世纪七十年代,梅普尔索普把男性形象的议题引入摄影。当时兴起的同性恋行动主义和性自主权运动,直接影响了梅普尔索普作为一名年轻的同性恋男性的个人选择和他最终的作品。梅普尔索普所创作的图像的革命性,不仅体现于拍摄对象的开放性,也体现在一丝不苟的拍摄过程:在一个同性情谊被归为政治不正确的时期,以极为优雅正式的方式,呈现了男性人体。2019年,所罗门·R·古根海姆美术馆为梅普尔索普举办了一个长达一年时间、分为两个部分的大型展览计划,以此像艺术家的突破性艺术创作及持久影响力致敬。


塞尔·戈麦斯(Sayre Gomez)

b. 1982,生于美国芝加哥

44艺术家塞尔·戈麦斯
来自比利时布鲁塞尔的霍夫肯画廊(Xavier Hufkens)在展位呈现80后艺术家塞尔·戈麦斯的个人展览。戈麦斯的作品结合半虚拟和照相写实技法,从一系列图像制作技术,例如视错觉画法、汽车喷绘涂鸦、好莱坞布景绘画、商标画等中汲取灵感,洛杉矶的景象为艺术家创作灵感核心,常作为其创作的布景及主题,使用房屋、街道广告牌、汽车文化以及其他洛杉矶视觉文化景观,向城市致敬。
45霍夫肯画廊展位现场
戈麦斯善于将日常生活和代表着资本主义的商业元素相结合,凸显城市的内在架构,刻画城市记忆。在艺术家以拼接和错视画法呈现的洛杉矶城市景观中,虚假与真实的记忆相交,对本世纪的图像传播与操纵技术进行了反思。
戈麦斯在芝加哥艺术学院获艺术学士学位,随后在加州艺术学院获艺术硕士学位。2019年,戈麦斯作品展于上海余德耀美术馆。戈麦斯的作品被美国洛杉矶汉默美术馆、加拿大蒙特利尔阿森纳当代艺术中心、迈阿密鲁贝尔家族等机构收藏。
 

西斯特·盖茨(Theaster Gates)

b. 1973,生于美国芝加哥

46艺术家西斯特·盖茨
西斯特·盖茨一件创作于2020年的作品“Triagonal Proposition”在白立方展位呈现。
 
除艺术家的身份外,盖茨还是一名拥有近二十年制陶经验的陶艺师以及城市规划师。盖茨的创作涵盖雕塑、绘画、陶瓷、影像、表演和音乐,旨在促进社会参与,刺激政治及空间改变,缔造文化社区形成。盖茨将他的工作方法描述为 “通过合作进行批判”。2012年在第十三届卡塞尔文献展中,盖茨在塞尔文一个废弃的酒店里,以来自芝加哥南部一个废弃建筑的材料对酒店进行了修复。这座三层楼高的建筑除了是呈现盖茨雕塑作品的场所,还是公共对话和音乐表演的平台、建筑商和艺术家的休憩所。
47西斯特·盖茨,《Triagonal Proposition》,2020

盖茨近年举办过重要个展的机构还包括泰特利物浦美术馆(2019);巴黎东京宫(2019);巴塞尔美术馆(2018);华盛顿国家美术馆(2017)等。2020年,盖茨个展“坏霓虹”在上海油罐艺术中心举办。今年年初,盖茨于Prada荣宅成功举办个展。伦敦白教堂美术馆正同期举办艺术家个展,2022年,盖茨将构思伦敦蛇形美术馆的展亭,为其历时两年的针对伦敦V&A博物馆收藏的研究项目与对话画上句号。


托马斯·萨拉切诺(Tomás Saraceno)

b. 1973,生于阿根廷圣米格尔-德图库曼

48艺术家托马斯·萨拉切诺

Neugerriemschneider在展位呈现了托马斯·萨拉切诺的一件由蛛网构成的“生物雕塑”与多件悬挂装置,它们均为萨拉切诺的标志性作品,蛛网雕塑的价格为4.6万欧元。

49托马斯·萨拉切诺,《混合型独居半社会性SAO110110由:独居的带腿金球网蜘蛛-4周,四只一组的桔云斑蛛-2周,独居的大理石地窖蜘蛛-3周建造》,2019
萨拉切诺以利用轻便的材料创作悬浮在空中的几何体集合而被人熟知。作品内部的结构借鉴于蜘蛛网和宇宙网络,它们是艺术家创作灵感的两个主要源泉。萨拉切诺对蜘蛛的兴趣起源于对旧工作室里蜘蛛的观察。萨拉切诺通过让不同种类、习性、甚至栖息地的蜘蛛通过混合织网的方式创造出不可能在自然界中出现的蜘蛛网组合,用以研究不同国家、种族的人类之间、人与自然之间和平共处的关系和可能性。
萨拉切诺持续的研究包括通过将人类飞行所需能源降至最低程度的方式开启“飞行世”。2015年,萨拉切诺的飞行装置在新墨西哥州托立尼提沙漠试飞成功,成功创造了人类有史以来非发射升空的最高纪录,一个由塑料膜等最基础材料与技术支持的热气球飞向宇宙,在引发仰望惊叹的同时也让我们将目光投向人类纪的不可逆、以及我们与之抵抗的意图。
50托马斯·萨拉切诺,《太阳能钟》,2013,Portscapes 2 现场实景图,鹿特丹 © Studio Tomás Saraceno

萨拉切诺近期重要展览与个展举办机构包括:威尼斯双年展(2019);巴黎东京宫(2018);上海复星艺术中心(2018);布宜诺斯艾利斯现代艺术博物馆(2017);旧金山现代艺术博物馆(2016);巴黎大皇宫(2015)等。


薇薇安·苏特(Vivian Suter)

b. 1949,生于阿根廷布宜诺斯艾利斯

51艺术家薇薇安·苏特

格莱斯顿画廊在一个独立开辟出的展区中,呈现了薇薇安·苏特的一组绘画作品“无题”,价格区间为3万至4.5万美元。展区沿用苏特一贯坚持的独特呈现方式,以未上框的画作占据整个展示空间,画作年份未知、朝向未定,以民主化的方式向所有观众开放。

52格莱斯顿画廊展位现场,薇薇安·苏特作品《无题》,无年份

苏特1949年出生于阿根廷布宜诺斯艾利斯,她的家人在20世纪30年代离开维也纳,搬到这里。1962年,苏特回到欧洲。1983年,苏特来到北美和中美洲旅行,同年晚些时候,苏特到达危地马拉的巴纳哈契(Panajachel),并在这里生活了三十多年。苏特在一片青翠浓郁的地貌上建造了她的家和工作室,这里曾经是一个咖啡种植园,被植物、山脉和火山环抱着——正是在这里,苏特开始将对周围环境的直接感受转化为艺术创作。

53薇薇安·苏特在危地马拉的工作室 摄影:David Regen
薇薇安·苏特将大型浸入式抽象绘画视作对其身处的危地马拉热带雨林的反应。在由热带雨林气候浸润过的画布上,苏特创作了大量色彩鲜艳的抽象绘画作品——季风、风暴、赤道日照、当地的动植物都在这些画布上留下了直接而独特的印记。苏特所强调的作品展示方式也与作品创作环境的生态系统相呼应:尽管每幅作品都是独立的,但这些紧密相连展示的作品整体形成了一种新的艺术生态系统。苏特近期重要展览和个展包括:台北双年展(2018);卡塞尔文献展(2017);瑞士卢赛恩美术馆(2021)等。
TANC综合报道
*若无特殊标注
图片致谢各画廊与西岸艺术与设计博览会

ART021现场之选,24位40岁以下华人艺术家的现在时及其作品推荐

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