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2022年威尼斯双年展以“梦想之乳”重新探索生命,浦东美术馆将于7月携三展正式开馆丨艺术时刻 2021-06-16

Jun 16, 2021   艺术新闻/中文版

本周关注

2022年威尼斯双年展主题展
“梦想之乳”
将探索不断变化的生命和地球

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超现实主义艺术家Leonora Carrington出版的《The Milk of Dreams》

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Roberto Cicutto and Cecilia Alemani,摄影:Andrea Avezzù,图片来源:威尼斯双年展

2022年威尼斯双年展将探索不断变化的地球,名为“梦想之乳”(The Milk of Dreams)的主题展,灵感来自超现实主义艺术家Leonora Carrington。在20世纪50年代生活在墨西哥时,这位艺术家发明并绘制了一系列神秘的故事,据Cecilia Alemani说,这些故事描述了“一个神奇的世界,在那里,生活通过想象力的棱镜不断被重新认识,在那里,每个人都可以改变,被改变,成为另一个人。”该展览将带领我们进行一次同样具有想象力和变革性的旅程,将于2022年4月23日至11月27日在威尼斯展出。“不断出现的问题似乎捕捉到了这个历史时刻,当物种的生存受到威胁时,同时也总结了弥漫在我们这个时代的科学、艺术和神话中的疑虑,”主策展人Cecilia Alemani说。“人类的定义是如何变化的?什么构成了生命,什么区别了动物、植物、人类和非人类?我们对地球、其他人和与我们一起生活的其他生物体有什么责任?以及如果没有我们,生命和地球会是什么样子?”展览将集中在三个主要主题上:身体的表现和它们的蜕变;个人和技术之间的关系;以及身体和地球之间的联系。主展览最终将呈现130位左右的艺术家,尽管名单还未确定。Alemani提到更加关注双年展具有的再生力量,讲述接下来的故事,而不仅仅是已经发生的事情。

博物馆

浦东美术馆将于7月携三展正式开馆

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浦东美术馆,图片来源:jeannouvel.com

位于上海浦东小陆家嘴滨江核心区的浦东美术馆(MAP)将于2021年7月正式向公众开放,同时呈现“蔡国强:远行与归来”“光:泰特美术馆珍藏展”“胡安·米罗:女人·小鸟·星星”三个展览。浦东美术馆由陆家嘴集团投资、建设和运营,由让·努维尔(AJN)事务所设计,以国际艺术展示为主,兼顾国内艺术展示,突出展览、美育、文创、国际交流四大功能。浦东美术馆于2017年9月26日启动建设;2019年6月11日,上海陆家嘴集团与英国泰特美术馆(Tate)签署了合作谅解备忘录。根据合作谅解备忘录,泰特将从成功运营一个国际级美术馆的角度为浦东美术馆提供为期三年的培训和咨询服务,内容包括观众服务、美术馆运营、艺术品处理、展览管理、观众拓展和教育等,并举办一个泰特美术馆馆藏开幕大展。在开馆之后的两年内,双方还将合作在浦东美术馆展出两个源自泰特美术馆的展览,并且继续保持战略合作关系。

艺术项目

纪念Tracey Emin和Sarah Lucas
的“商店”(The Shop)

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Tracey Emin和Sarah Lucas,《商店》,伦敦,1993年,图片来源:Pauline Daly和Sadie Coles HQ,伦敦;摄影:Pauline Daly

1992年12月,Tracey Emin和Sarah Lucas当时是分别从皇家艺术学院和伦敦金匠学院毕业的年轻艺术家,她们在伦敦东区的一个手术室签订了一份短期租约。1993年1月3日,“商店”(The Shop)开业,销售各种手工制作的商品——印有“完全的混蛋”和“他妈的无用”口号的T恤衫特别受欢迎,还有底部粘有达米安·赫斯特脸部照片的烟灰缸。这里也是一个聚会点——用于制作和交谈、喝酒和跳舞,与其他地方不同,吸引人们一次又一次地回来。在此后的几十年里,“商店”被神话为YBA传奇的一部分,它标志着两位艺术家职业生涯中的一个开端,当时伦敦本身正处于从狭隘的艺术场景向今天的商业强国转变的边缘。两位艺术家在《Frieze》回忆这个商店从无至有的过程,以及曾经发生在里面的故事。  Sarah Lucas回忆起当时Tracey Emin的地下室是生活画室,看起来更像一个地下酒吧,再下一层有“商店”,还有一个小厨房和一个密室。做一个商店,而不是工作室的原因,是她们觉得应该随时对外开放,而不是带有偏见和歧视。

Counterspace设计的2021蛇形展亭

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由Counterspace事务所设计的2021年蛇形展亭© Counterspace;摄影: Iwan Baan,图片来源:蛇形美术馆

由南非Counterspace事务所的Sumayya Vally设计的2021年蛇形展亭,给人的第一印象有点不友好。走近蛇形美术馆的正面入口,游客首先看到的是两块巨大的黑色石板。在这两块巨石的后面和中间,是杂乱无章的柱子、障碍物和中断的平面,不相似、不对称,奇怪的是没有完成。粉红色的灰色,有时是刻痕的表面,类似于浇筑的混凝土——它们实际上是钢架上的混凝土涂层板,给人一种基础设施或基础的感觉,是一个最终会出现的更大结构的基础,在不脱离其展馆性质的情况下,它只是一个买咖啡、坐一会儿、拍照和参加活动的地方,如同嵌入到了一个思想的腹地,可以根据品味来享受或忽略。蛇形展亭项目现在已有21年的历史。

Christo包裹巴黎凯旋门的日期
得到确认

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Christo’s collage The Arc de Triumph (Project for Paris, Place de l’Etoile – Charles de Gaulle) Wrapped (2018) Photo: André Grossmann; © 2018 Christo,图片来源:TAN

去年84岁去世的艺术家Christo的最后作品离实现又近了一步,他的遗作包裹巴黎凯旋门的项目的组织者宣布该项目将于9月18日揭幕,并保持到10月3日。原本计划在2020年春季完成的项目因大流行病而被推迟。它将为香榭丽舍大街的地标性建筑披上近2.5万平方米的银蓝色织物(由可回收的聚丙烯制成)和7000米的红绳。这个项目已经酝酿了大约60年。Christo和他的妻子Jeanne-Claude,于1962年首次制定了包裹凯旋门的计划。

展览

洛杉矶郡立当代艺术博物馆将呈现
“交流的遗产:来自余德耀基金会的中国当代艺术”

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岳敏君,《公主》,1997年,余德耀基金会 ©岳敏君,摄影:佩斯画廊,图片来源:LACMA

洛杉矶郡立当代艺术博物馆(LACMA)将于2021年7月4日至2022年3月13日呈现展览“交流的遗产:来自余德耀基金会的中国当代艺术”,带来艾未未、黄永砯、王广义、徐冰、岳敏君等15位艺术家应对国际贸易、政治冲突和全球艺术交流而创作的20件中国当代艺术作品。展览聚焦于中国和西方之间的相遇、交流和碰撞。该展览是LACMA与上海余德耀美术馆共同的努力的结果。在2018年的香港巴塞尔艺术博览会期间,LACMA 即宣布有意与上海的余德耀美术馆和香港的余德耀基金会合作,共享藏品和项目,包括余德耀收藏的近1000件中国当代艺术作品。2019年4月,就LACMA与余德耀基金会共同建立非盈利基金会事宜,余德耀与LACMA馆长迈克尔·高文正式签署协议。该联合基金会以香港为基地,负责管理余德耀的大部分收藏,尤其是当代中国艺术藏品,保持其完好的状态并永久可供中国及世界各地的展览和学术研究所用。

“做更好的人”——新一代的工作方法
将在山中天艺术中心开幕

山中天艺术中心将于6月19日推出展览“做更好的人——新一代的工作方法:新工作、新身份、新方向、新生活”,将聚焦中国新一代最具代表性的13位/组艺术家、设计师、建筑师——陈天灼,绘造社,葛宇路,何翔宇,李燎,梁琛,梅数植,倪有鱼,童文敏,王子耕,赵赵,周轶伦,朱砂的创作项目和艺术实践。近几年在艺术、建筑和设计领域中,新一代的艺术家所呈现的新艺术现象,这个现象以工作方法的改变展开,他们打破了过去的工作范围和方法,艺术家不再只做艺术,建筑师不再只盖房子,设计师不再是平面上的规划,而是有着广泛的兴趣,更多元的工作,这些工作并无主次,也无本职和爱好,艺术和非艺术之分,“没有单一风格”的风格成为他们的风格。

泰康空间推出
“专业余·出现代:骆伯年与同代影人1930-1940s”

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骆伯年,《汲瓮》,1930年代,银盐纸基,24.5×18.8cm

泰康空间最新展览“专业余·出现代:骆伯年与同代影人1930-1940s”以1930-1940年代活跃于上海一带的民国摄影师骆伯年为线索,引出同时代的业余摄影师群体如何以丰富的摄影艺术实践和颇具规模的社群互动,将摄影推向一个专业的艺术门类的过程。骆伯年1911年生于浙江杭州,1932年起分别在浙江和上海从事银行工作,业余接触到摄影,这期间拍摄的一些风景和静物作品在《中华摄影杂志》《飞鹰》《现象》《美术生活》等当时活跃的杂志期刊上陆续发表,并且与郁达夫夫妇、曹熙宇等文化界人士多有交往1938年骆伯年因工作调动至香港,在随后的四年间于香港的浅水湾、九龙塘、港口码头等地拍摄了多组风景、建筑及人像。因战争爆发,1942年初与同事及家人从香港启程,辗转多地最终抵达战时的陪都重庆,直至1945年战争结束被派往成都工作,次年返回上海。辗转期间,骆伯年一直保持拍照的习惯,为便于携带而洗印了大量小尺寸的照片,多数照片被制作并保存在相册里,从而幸免遗失于战乱流离之中。

2021“北京当代艺博会·艺述”主题展
“过去的未来主义”开幕

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北展文化艺术中心与北京当代·艺术博览会联合呈现展览“过去的未来主义——中国当代艺术中的过去与未来”,作为北展文化艺术中心的开幕首展和“北京当代艺博会·艺述”的主题展,“过去的未来主义”集中了aaajiao、奥吉卡(AUJIK)、蔡磊、曹斐、陈熹、崔洁、范文南、冯梦波、高磊、简策、蒋志、王鲁炎、邬建安、杨光南、杨茂源、张光宇、张晖、张英楠、庄辉等四十位艺术家的代表性作品,关注纵跨百年间,不同代际的艺术家对于中国历史的再次思考与对于中国未来的丰富畅想。在两个几乎对称的狭长展厅里,艺术家对于过去再次想像与艺术家对于未来的大胆预见犹如两条时光隧道,通过粗粝而驳杂的现实相连。

空山基、Mr.与史金淞个展
将齐聚昊美术馆

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6月18日,昊美术馆将推出3场个展,包括日本艺术家空山基在中国的首次大型展览 “大都会”,展出艺术家从上世纪七十年代开始至今的创作。除了系统性地介绍空山基在绘画、雕塑、装置等领域的连续实践之外,展览还将展出艺术家的近期新作,其中包括对经典电影《大都会》致敬的绘画;日本艺术家Mr.在中国内地的首场大型个展“日常派”,展出的作品横跨手绘、绘画、巨型雕塑、影像、装置等多元媒介,全面呈现艺术家在御宅族(Otaku)这一亚文化领域多年的探索和创作实践;中国艺术家史金淞的个展“世盖/SKY”则以艺术家持续创作的“铠甲”系列新作为主体,共展出数十件的装置、跨媒介交互作品。通过精神世界和现实空间的联通,带领观众进入史金淞个人意识的拟像世界。

陈可携最新个展
“包豪斯女孩/房间”来到上海

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“包豪斯女孩/房间”展览现场,贝浩登(上海),2021,摄影:包梦琪,图片来源:贝浩登

艺术家陈可最新个展“包豪斯女孩/房间”6月15日在贝浩登(上海)空间开幕,展览集中呈现艺术家2020至2021年同期创作的——“包豪斯女孩“(具象-布面肖像)与“房间”(抽象-异形铝板)两组看起来截然不同风格的作品系列。包豪斯女孩肖像基于写满时代气质的包豪斯历史档案图片。陈可采用古典绘画的审美规范去表现这些朝气蓬勃的现代女性,主人公们表情专注,沉浸在自己的思绪里,她们无视来自画外的注视;房间的意象既是限制也是庇护,代表心理空间。艺术家陈可1978年出生于四川通江,现生活工作于北京。2012年起,陈可开始以历史图片中的真实人物为创作对象,自“弗里达一个女人”(2013)、“密林”(2015)、“梦·露”(2016)、“无名女艺术家”(2020)以来的每一次个展都将创作者作为艺术表现的对象,通过对这些人物,尤其是女性在社会中处境的解读,表达了她对现实生活的感受及对时间和生活的体验。

艺术市场

豪瑟沃斯画廊扩大
画廊的洛杉矶空间

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豪瑟沃斯未来在西好莱坞的空间,计划在2022年开放,摄影:Elon Schoenholz/Hauser & Wirth.图片来源:artforum

豪瑟沃斯宣布画廊将在洛杉矶西好莱坞圣莫尼卡大道上的一个改造过的老式汽车展示厅中开设新空间,该空间由5000平方英尺的展览空间和一个现场餐厅组成,将是豪瑟沃斯的第17家画廊,也是其在洛杉矶的第二家画廊。“从一开始,我们就一直认为洛杉矶是一个我们希望拥有不止一个空间的城市,”豪瑟沃斯总裁Marc Payot告诉《洛杉矶时报》。新画廊预计在2022年秋季开业,由塞尔多夫建筑事务所负责人Anna Selldorf设计,她曾设计过该画廊在纽约西二十二街542号的第一个专用画廊。空间结构将保留其拱形的木制天花板和面向街道的玻璃门面,以及其原有的1930年代西班牙殖民复兴风格的白色灰泥外墙和红瓦屋顶,这些都是该地区建筑的象征。

生态与艺术

克劳迪亚·安杜哈尔
对巴西亚诺玛米族人50年的承诺

从1971年开始,艺术家克劳迪亚·安杜哈尔(Claudia Andujar)的创作与生活与巴西亚马逊雨林中的亚诺玛米族人(Yanomami)紧密联系在了一起。从最开始学习他们的信仰体系,用“尊重”的立场通过摄影表达亚诺玛米人的文化,到后来尽管摄影在继续,但艺术创作在安杜哈尔的整个亚诺玛米事业中变得渺小,安杜哈尔长期请亚诺玛米族人用绘画表现他们的信仰、与别的族群的关系、发起疫苗接种项目,为他们的权益奔波,成为了一个社会活动家。艺术家出售作品的收益中的部分进入亚诺玛米族人设立的非政府组织。面临疾病、森林砍伐、入侵和剥削等威胁,并且得不到政府支持,亚诺玛米人的遭遇让安杜哈尔将联想起她的父辈在纳粹德国的悲惨命运。“克劳迪亚·安杜哈尔:亚诺玛米斗争”展览在伦敦巴比肯艺术中心展出,此后还将巡展至纽约。

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© Claudia Andujar. A Yanomami collective house near the Catholic mission on the Catrimani river, Roraima 1976 (infrared film),图片来源:FT

观点

艺术破坏行为总是有回报的吗?

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《班克斯的白痴》(2006)的现场直播燃烧仪式© Banksy. Photo: Burnt Banksy,图片来源:TAN

对艺术的破坏行为从未显得如此有利可图。本月晚些时候,Banksy的《Subject to Availability》(2009年),即19世纪艺术家Albert Bierstadt油画的“破坏”版,将在佳士得的20世纪拍卖会上出售,估价300万至500万英镑。同时,自3月Banksy的《Morons》(2006年)被BurntBanksy集体烧毁,使这幅价值9.5万美元的印刷品标价38万美元后,艺术家毁坏作品的NFT继续吸引头条。最近,美籍西班牙艺术家Domingo Zapata的作品被企业家Brock Pierce和收藏家Paolo Zampolli点燃,以进一步尝试出售由此产生的NFT。破坏艺术的行为历来被视为一种破坏性的行为——在道德上是有问题的,受到法律的责罚,对作品的后续货币价值是有害的。但最近的这些例子表明,艺术界对破坏行为本身一直很着迷。那么,这种“破坏”对市场价值有什么影响?当破坏行为成为艺术品历史的一个组成部分时,这种行为可以增加其声誉和后续价值。然而,艺术评估师Victor Wiener警告说,价值的增加“是例外,不是常规”。

巴黎圣母院重启修复预计2024年再开放,洞穴艺术消失的祸首为何是蝙蝠|艺术时刻 2021-6-21

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